al Teatro Stabile di Catania
di Duncan Macmillan, traduzione Monica Capuani, con Anna Ferzetti, Betti Pedrazzi, Thomas Trabacchi, Totò Onnis e Luca Massaro, Maria Giulia Toscano, Giorgio Stefani, Sofia Capo, Gabriele Badaglialacqua, Marta Virginia Morgavi.
scena Luigi Ferrigno, costumi Roberto Chiocchi, luci Bianca Peruzzi, maestro di voce Susan Main
aiuto regia Luca Bargagna, movimenti scenici Marco Angelilli
regia Pierfrancesco Favino

I luoghi e le persone dell’anima

 

Cosa determina il nostro equilibrio mentale e la nostra serenità come individui centrati in una comunità sociale?

Le persone, i luoghi e le cose che ci circondano e dalle quali dipendiamo.

“People, Places & Things ( Persone, posti e cose) è il titolo del testo di Duncan Macmillan, che, nella traduzione di Monica Capuani, la co-produzione del Teatro Stabile di Catania e Gli Ipocriti Melina Balsamo,  ha portato in scena a Catania, con la regia di Pierfrancesco Favino e l’interpretazione di Anna Ferzetti.

Emma è un’attrice che sta interpretando Nina nel Gabbiano di Čechov, un personaggio che già lo scrittore russo aveva delineato come problematico proprio perché si tratta di un’donna fortemente in crisi con se stessa e con il mestiere che la costringe costantemente a sdoppiarsi e a diventare altro da sé.

Emma ha una fortissima dipendenza da alcool e droghe, per cui non riesce più a recitare perché dimentica le battute, non ricorda la “parte”, perde continuamente il filo della recitazione. Per continuare a lavorare ha bisogno di disintossicarsi, di avere un certificato che garantisca la sua guarigione e la reintegri nel mondo.

Decide di entrare in una clinica di riabilitazione e comincia un percorso doloroso e complesso divisa, com’è, tra la maschera del personaggio che recita sul palco e la sua vera identità.

Mentire agli altri, come mentire a se stessa è un meccanismo naturale e inevitabile per lei che è una donna fragile e irrisolta, ma non solo per lei.

Dal momento del suo ricovero comincia il percorso della narrazione a ritroso nella sua vita.

Il titolo del dramma di Macmillan spiega esattamente i passaggi che la terapia psicologica richiede in chiunque voglia uscire dalla dipendenza: nel gergo della riabilitazione, questa triade rappresenta quali siano i principali fattori di innesco (trigger) che una persona deve assolutamente evitare per non ricadere.

People, le persone, gli amici di sbronze, gli spacciatori o chiunque ricordi o incentivi il consumo di sostanze. Places,   i posti,  i bar, i club, le strade o le stanze in cui si era soliti consumare o acquistare la sostanza. Things le cose, gli oggetti fisici legati alla dipendenza (bottiglie, bicchieri, accendini, siringhe) o persino canzoni, film e stati d’animo associati a quel periodo.  Attraverso tutto questo Emma deve passare per risalire dall’abisso del suo vissuto e provare, disperatamente a farcela.

 

Il titolo assume anche un forte valore metaforico e teatrale, perché per lei che è un’attrice, il mondo intero è un palcoscenico caotico da cui sente il bisogno di scappare o che tenta di controllare attraverso la recitazione e le sostanze. Il percorso di disintossicazione la costringe a fare i conti con la realtà nuda e cruda di queste tre categorie, senza il filtro della finzione.

Al di là dal tema della dipendenza, lo scavo di Macmillan vuole esprimere la necessità, la libertà che ogni individuo ha di provarci, di impegnarsi anche quando si prova paura e smarrimento, perché viviamo nella confort zone della nostra quotidianità, fatta anche di bugie, e soprattutto di finzioni, di giochi di ruolo.

Nella terapia, Emma deve compiere lo stesso gioco che lei è abituata a fare sulla scena, mascherarsi per smascherarsi. Andare alle radici profonde del male dell’anima per uscire dalla dipendenza. E come lei tutti gli altri ospiti della casa di cura, uomini e donne, compreso l’infermiere che, poi, non ce la farà.

Si tratta di un testo, pluripremiato e acclamato a Londra, estremamente coraggioso per la crudezza delle situazioni e per l’insieme di motivi narrativi messi in campo.

Nella lettura che ne ha dato Pierfrancesco Favino, la cifra del coraggio e dell’innovazione sul piano tecnico è stata la chiave della messa in scena.

Nessuna scivolata melodrammatica verso il compiacimento del dolore o della depressione, ma la volontà di esplorare e snocciolare sul palco le dinamiche, apparentemente malate, dei pazienti affetti da dipendenza in maniera cruda, asciutta, lacerante.

Una messa in scena moderna, senza nessuna didascalia, che si è servita di un cast d’eccezione a partire dalla protagonista, Anna Ferzetti che, reduce dalla prova potente de La grazia di Sorrentino, ha portato in teatro una carica di energia e credibilità nel costruire un personaggio spigoloso, respingente e, per questo, profondamente umano.

Favino ha chiarito che dietro ad Emma c’è l’universalità dell’umanità che, al di là di ogni dipendenza, vive schiacciata dal peso dei ruoli che condizionano.

“In un tempo in cui passiamo i giorni a rincorrere l’immagine di chi dovremmo essere per sentirci all’altezza, a negoziare chi siamo di volta in volta a seconda delle chiacchiere del momento, questo testo ci dice tutto ciò che facciamo per evitare di guardarci dentro, quello che usiamo per farlo e come sia possibile una volta toccato il fondo, rinascere se riusciamo ad ammettere le nostre ferite e troviamo il coraggio di prendercene cura”

L’impianto scenico, dalla recitazione alla scenografia (di Luigi Ferrigno), ai costumi (di Roberto Chiocchi), ai movimenti coreografici (di Marco Angelilli), alle luci (di Bianca Peruzzi), alle musiche, è talmente innovativo e psichedelico da creare un effetto sorprendente nel pubblico.

Le fasi dell’astinenza, le convulsioni, le allucinazioni di Emma, durante la cura, sono rese concretamente con un effetto straniante, ma feroce: l’attrice si moltiplica con una serie di controfigure che proiettano le sfaccettature della personalità pluripolare; la musica tecno accompagna i momenti di maggiore tensione, le luci sono accecanti e flashate, le convulsioni sono passi di una danza tribale, che tormenta il pubblico come tormenta Emma.

Dieci attori sulla scena accanto alla protagonista le fanno da contrappunto, in uno scontro di caratteri, storie personali e personaggi. Fra tutti si apprezza particolarmente la duttilità di Betti Pedrazzi che è medico e psicologa ma anche madre, origine dei mali, e la forza implicita di Thomas Trabacchi, che ha dato prova di saper mescolare mestiere e autenticità, soprattutto nel monologo della confessione.

Il regista ha lasciato agire gli attori secondo la sensibilità di ognuno. Ha dichiarato: “Il compito del regista con gli attori credo sia quello di saperli accompagnare in una ricerca e lasciarli liberi di trovare come questa ricerca li riguardi.”

Il topos psicanalitico del trauma familiare, con la componente della madre poco affettiva, del lutto in età giovanile, delle scelte professionali non condivise, è alla radice della malattia di Emma. Ma l’autore le vuole assegnare una speranza, ed è questa che ha saputo cogliere la regia di Favino, senza trascurare il tema, non secondario, della ricerca di una spiritualità mancata.

Naturalmente il focus che coglie l’universalità di questo testo è la riflessione sul binomio realtà e finzione, un tema già caro a Shakespeare, a Pirandello, agli autori del Teatro dell’Assurdo, a Miller. La menzogna di chi recita è spesso l’unica via di uscita e di consolazione da una realtà che non soddisfa, che non definisce una maschera come in teatro, dove è rassicurante rivestire un ruolo ed essere altro da sé. Emma, a un certo punto dice che recitare è come la droga nella quale si rifugia per l’incapacità di essere se stessa.

Nella storia di Emma, che in realtà è Sara, o forse Lucia, come dice la madre nel finale, c’è il dramma senza la tragedia, c’è l’ironia senza la caricatura, il suggerimento di una possibilità senza promessa di redenzione garantita.