Teatri Riflessi 11: intervista a Moad Haddadi, in scena con “Nari Chtaht” a Teatri Riflessi 11

C’è un fuoco che non si vede e che muove tutto. Un ventre che ricorda, che si ribella, che porta il peso di una vita intera. Così Moad Haddadi della compagnia Masse Art, racconta la sua performance Nari Chtaht. Il suo lavoro, portato in scena nell’ undicesima edizione di Teatri Riflessi, a Zafferana Etnea, ha trasformato il palco in un luogo di soglia, ha invaso lo spazio di corpi e sguardi, trasformando il buio in un gesto condiviso. In queste risposte, la voce di chi danza si mescola a quella di chi ha dovuto lottare per farlo. Parole dette nell’ombra, come la performance stessa, dove è il pubblico a portare la luce, tra i tessuti, tra i silenzi, tra ciò che si intuisce e ciò che resta nascosto. Cosa ti ha portato verso questa performance? Come il tuo percorso personale ti ha condotto a esplorare il ventre come uno spazio di resistenza, identità e trasformazione? Nari Chtaht è un assolo molto importante per me, che mi connette a una rabbia, alla ragione per cui ballo. “Nari” in arabo classico significa “il mio fuoco” interiore. Nari Chtaht è nato da una necessità, da un bisogno vitale di trasformare la realtà. Sono cresciuta a Marrakech e fin dall’infanzia esploravo già movimenti inattesi con il ventre. Era un periodo familiare complicato che mi ha segnata molto. Poi, crescendo, ho continuato a sviluppare una connessione e una consapevolezza corporea attraverso il ventre. Ho dovuto smettere di andare a scuola molto presto e la danza mi ha salvato.Questo movimento intenso del ventre mi ha seguito in ogni tappa della mia vita, mi ha permesso di esistere, di esprimermi, di prendere fiducia in me stesso. Molte persone della mia famiglia non capivano la mia passione, e mi dicevano “noi non abbiamo nemmeno da mangiare e tu pensi a ballare”, e ora è proprio la mia danza che fa vivere me e la mia famiglia. Ho un legame forte con il ventre attraverso queste riflessioni sul ventre vuoto, ventre pieno. In certi paesi le persone mangiano molto e in altri non hanno niente. Come vivi il fatto di danzare un movimento a lungo vietato agli uomini, e come questa trasgressione trasforma il vostro corpo in uno spazio di resistenza identitaria e politica? Non è propriamente vietato, ma piuttosto mal visto, e questo dipende anche dal contesto… ma effettivamente il rapporto con il corpo e con la società è diverso da qui. Non era la mia intenzione all’inizio, e penso che ci siano molte cose inconsce anche nel mio percorso, legate alla mia famiglia, alla mia cultura.

Essere davanti alla gente, sul palco, già solo questo, per me è politico. Nari Chtaht significa in darija marocchina “Cazzo, ho ballato!” con due significati possibili: come se avessi fatto qualcosa di grave e/o come un orgoglio, qualcosa che poche persone possono fare. Questo assolo parla di una trasgressione attraverso il corpo, di una lotta e allo stesso tempo di resilienza. Nari Chtaht interroga ciò che riceviamo e trasmettiamo attraverso il corpo: i gesti, i tabù e la memoria delle lotte. Con il movimento e il pensiero amo superare gli immaginari, andare oltre, andare più lontano di quanto si possa immaginare. Esploro un movimento fino allo sfinimento e vedo dove mi porta.

Il tuo ventre sembra “possedere” il corpo, come una forza antica, materna e a volte inquietante. Cosa significa per te lasciare che questa zona ti guidi, ti sposti, ti travolga?

Ho fatto una ricerca sul movimento del ventre cercando di superare i limiti e di andare sempre più lontano. Per me il ventre ha molti significati, personali e universali. Il ventre è la vita, l’origine, la pre-nascita, ma anche le sofferenze. Effettivamente questo connette a forze potenti e viscerali. Si ricollega a quanto ho detto nella domanda precedente: sfruttare una materia corporea all’infinito e lasciar vedere dove va a finire, e spingersi sempre oltre. Nascondere volto, diventate una figura transitoria, né uomo né donna: come questa identità sfumata influisce sul modo in cui il pubblico riceve il tuo gesto? Mi piace effettivamente che, dietro il mio costume, il pubblico possa immaginare tutto: un uomo, una donna, qualcuno di giovane o di vecchio… non importa, che ognuno sia libero di immaginare. Nari Chtaht è un omaggio a tutti coloro che vogliono ballare e a cui viene impedito, a coloro che trascendono la propria vita attraverso il movimento. Come vivi la relazione con il pubblico, soprattutto quando scendi dal palco per avvicinarti ad esso, e quando il pubblico interviene con le luci? Effettivamente è il pubblico che illumina la performance. Io sono nell’oscurità totale e distribuiamo delle torce a una parte del pubblico, che illuminerà il mio assolo.

Il pubblico ha quindi una responsabilità importante. La relazione con il pubblico può assumere molteplici significati, perché effettivamente questo gesto di puntare la luce su di me in questo modo e in questo contesto è singolare. Qui ho presentato una versione di 15 minuti di Nari Chtaht, ma normalmente lo spettacolo dura 30 minuti. L’idea è che il pubblico entri nello spazio con le torce, la musica sia già presente e io sia già pronto. L’esperienza inizia quindi fin dall’inizio, fin dall’ingresso del pubblico. Come abiti gli spazi della tua performance, e come si costruisce la tua relazione con il pubblico?

Ho bisogno del pubblico per orientarmi nello spazio, perché con il mio indumento nero sugli occhi non vedo quasi nulla, e la mia consapevolezza, percezione dello spazio è quindi molto ridotta. Mi oriento grazie ai punti di luce che il pubblico crea con le torce, che intuisco attraverso il tessuto. Vivo questa performance in modo molto intenso, rischioso, e mi fa uscire dalla mia zona di comfort. La relazione con il pubblico si costruisce man mano, le persone si appropriano delle torce e provano le diverse possibilità, diverse dinamiche luminose, creazione di ombre. Il pubblico che partecipa alla creazione dello spettacolo, fa parte integrante dell’opera. Mi piace spostare il pubblico da una zona di comfort abituale e far sì che viva un’esperienza a tutto tondo insieme a me.